La muse vénale

La muse vénale

Rythme cassé du temps

qui parle trop

sans cesse pour cacher

cette mortelle jouissance

du renfermement de la chair

sur l'essence malmenée

du vivant dévoré

par une marche forcée

la tempête de l'exorcisme

encore en tête

course du sens

en sens inverse

à cause du mal

du monstre démon

encodé d'un corps décapité

cave convexe du sort

démenti par la plaie

la plaie ouverte

l'ouvert entrain de clore

ce qui jouit de l'ouvert

qui se referme sur un jeu

jour du coït qui couche

la copulation sur le dos

de la parole chaotique

la muse est muselée

attachée au sexe

depuis l'origine

l'envers d'un dire

qui semble désirer

une fin à la chair

la chair déterminée

à souffrir à souffler

sur les braises d'un feu

à venir à trop fendre

l'esprit qui vite voit rouge

à causer sa perte depuis

les sens sans dessus dessous.

Thierry Texedre, le 10 juillet 2020.

« La muse vénale » 

René Daniëls (1950-)

artiste peintre néerlandais

Cris et chuchotements

Vladimir Velickovic – Homme qui saute , 1974 – Huile sur toile, 195 x 365 cm

« Le degré de lenteur est directement proportionnel à l'intensité de la mémoire, le degré de la vitesse est directement proportionnel à l'intensité de l'oubli » Milan Kundera

Cris et chuchotements

Tourbillon du vivant contracté récitatif de l'illusion pour quelques décennies quelques hallucinations du rêve rétroactif mensonge de la mémoire qui frôle l'asphyxie l'intolérable respiration du vivant béance ouverture au monde immonde de la dépendance au visage disjoint de la langue entrain d'être expulsée du vivant. Comment ne pas se soumettre au risque d'en montrer de la mémoire pour s'essayer à la plaie de l'espace de l'espace de l'espèce qui tourne carré depuis l'origine de la parole du cri en moins du vivant dérive orgasmique. Entrée en apesanteur le temps de dissoudre la voix versatile expulsée du risque atomisé de la croyance à tenter une immersion dans l'interdit religieux relique de la chair qui traverse l'essence même de l'âme à rencontrer le bien le mal le clair le sombre fondement de la nature humaine montée en abîme sur le visage de l'inséparable omniprésence du corps et de sa voix de son désir d'enfanter la langue pour y voir la parole comme pensée d'un temps inventé pour oublier cet intérieur cette entrée en résidence de la chair avec l'irreprésentable cri. Par quelle sortie cette pensée peut-elle encore montrer un temps passé par le cri qu'un chuchotement semble interdire le temps est ce chuchotement qui enferme la pensée dans un acte illusoire un acte d'affaiblissement du corps qui oublie et par lequel s'échappe le souffle illisible de la voix qui court.

Thierry Texedre, le 5 juillet 2020.

De l'épine dorsale

De l'épine dorsale

Incarcérées les peintures de Ahmed Alsoudani s'en sortent dans de sombres endroits des artères qui gonflent et tournoient telles des tubes charnus galvanisés dans des couleurs sans fond (d'un fond angoissant) et pourtant vives presque carnavalesques (composant l'épine dorsale d'un visage sociétal) jusqu'au pouvoir horrifique d'une histoire en train de se décomposer théâtrale et épique se révoltant dans cette extériorité regardée comme une interdiction d'entrer dans la peinture un interdit qui fait de la souffrance un ultimatum une peinture qui se donne à voir par ce qu'elle impulse l'extérieur par ces dessins un dessein omniprésent même à la surface celui d'un lieu public.

Thierry Texedre, le 4 Juillet 2020.

Ahmed Alsoudani (1075-)

artiste peintre irakien

vit et travaille à New-York

Sur quelque passage entre les peintures de Natalie Lamotte

Sur quelque passage entre les peintures de Natalie Lamotte

Peut-on encore tenter une approche des peintures de Natalie Lamotte, sinon d'entrer dans une pesanteur dont on ne sortirait plus qu'au risque d'essouffler la vue. or

La vue, voilà bien là ce qui manque quand on regarde les peintures rouges de Natalie Lamotte.

D'une vue qui en a assez d'essayer de circonscrire la couleur des formes informes et impropres à essayer une mémoire dont les signes intangibles vous poussent au respect, puisque dans l'attente d'une forme de reconnaissance à y voir d'une vue masquée, une vision de ce que peut libérer et livrer une temporalité de l'effacement d'une représentation consommable.

Pour s'y retrouver dans ces labyrinthiques dysfonctionnements de la représentation, ici telle qu'un essai serait impossible à restituer, vu que ces toiles montrent au blanc le rouge comme extension d'un pouvoir, celui d'entrer en résidence avec l'architecture intérieure du vivant, je veux dire par là ce qui vit n'ayant de ressource qu'à n'entrer jamais en communication avec la pensée sauf à restituer cette formation de glissements, d'effluves, d'effluents, de glissements sans fin, vers autre chose que cette présentation d'un format au peint.

Viens par là le temps de regarder les variations peintes, dont on devine les attitudes de tons plus clairs, aux roses délicats, détournant les yeux lentement du temps bousculé par le présent. On essaye par tous les moyens d'en extraire la substance. Mais jamais ces formes, déformant notre regard, n'agissent au seuil d'un entretien avec le peint sans le dire.

Le blanc n'est pas là pour vous faire croire à une quelconque figure qui risquerait dans votre esprit d'en rajouter de ces formes dont on saurait reconnaître l'existence ou la surréalité.

Natalie Lamotte n'aura de cesse d'exercer sa maîtrise pour essayer que nous ne nous montrions plus dans la mise en forme d'une réalité échafaudée à partir de signes juxtaposés, pour imiter l'écriture, et peut-être pourrions nous nous poser le temps d'une écoute musicale.

Si les toiles posent la forme c'est pour restituer au regard sa par de réel. Le réel, voilà la belle affaire, n'y a-t-il jamais eu de réel qu'à ne jamais user de cette mémoire des formes, sinon à passer d'un acte à un autre sans jamais montrer ce qu'un temps présent croit.

On passe d'un rouge à un autre rouge révolté à tout jamais de ne pas se poser, sauf dans le blanc qui s'y noie s'y perd s'y retrouve au risque de s'évader encore. Et puis tant pis pour nous, si on voyait quand-même des fragments de chair, ici une lèvre, là un sexe, et là encore une lointaine forme céphalopode, le végétal aussi. Tout y passe dans notre déambulation le temps d'une exposition.

Si Johan Mitchell et Francis Bacon nous montrent la voie pour mieux y voir la peinture de Nathalie Lamotte, peut-on en dire autant d'un Dominique Thiolat, sinon qu'il restitue chez Natalie la constance de la couleur, une voie qui parle haut et fort pour en dire quelque chose du mouvement de la couleur quand celle-ci n'a plus son bord pour s'apprivoiser, se montrer et exister au réel.

Une peinture qui se suffit, autonome en tant que toile, mais aussi il y a quelque chose à voir d'un déploiement linéaire, en séries(de l'extériorisation qui aliène le sujet à l'intériorisation qui porte sans fin cette pratique de l'être).

Thierry Texedre, le 25 juin 2020.

Rapport non consenti

Rapport non consenti

Sue Williams est une artiste peintre qui touche l'intime, le signifie depuis ce qui tente une invasion dans l'espace de l'intime. Elle provoque la question du mal-être et celle des genres. Celui qui veut dominer, tyranniser un corps féminin, ou l'interdire, jusque dans la douleur de la chair de celle ou celui qui subit.

[Tu me queutes comme une fauve lèche son con lueur d'en dessous le cul rentré pour serrer la vulve ouverte douleur lente exploration de la langue sur le haut et le bas et les seins et la bouche ouverte la langue fourrant la gorge pénétration violence un viol le gode s'y plaît dans un va-et-vient éruptif puissant et glissant l'ivresse s'évanouit éteint le plaisir les rapport sortie du jeu fuite en avant l'esprit absent les sens sortilège du corps sont retournés des coups répétés pour la défonce l'introduction non désirée des cris couverts par des mains claquent les fesses sont tenues jusqu'au rouge le cou est serré jusqu'à perdre connaissance la gorge juteuse le sexe humide sans jouir à perdre pieds domine comme un corps étranger c'est une perte d'extase plus vite l'entrée s'évade l'intérieur se contracte s'expatrie se masque du temps inanimé la vie sort par la folie tel un pantin désarticulé tout le corps est absent c'est la lente descente aux enfers d'une fin sans cesse la tête repoussée au travers de pensées saccagées et irréalisées une monstrueuse saleté un déchet puant la décomposition sans nom.]

Sue Williams intègre dans sa peinture quelque chose comme ce qui borne la vie domestique en permanence, quelque chose qui éprouve la vie partout où la violence s'empare du corps féminin. Elle y montre la violence intime, des abus sexuels envers les femmes. Mais cette forme reste dessinée et suggérée tragique et comique en même temps pour dédramatiser l'intime. Sue Williams offre un autre regard au spectateur, un regard de voyeur aussi, le spectateur usant de sa perception pour regarder au plus près ce qui intrigue une violence, un regard par le petit trou de l'exercice d'une peinture qui nous donne une infinité d'objets reconnaissables à seulement les rassembler par leur découpage, leur assemblage tel un puzzle. Certaines toiles montrent des formes telles des pattes d'oiseaux, de poulets comme pour faire un ultime pied de nez à la chair, la chair qui rit de sa performance. Les toiles les plus récentes, abstraites, montrent une peinture colorée où s'entremêlent des formes d'où l'organique s'est évanoui. Les maux sortent, les douleurs se seraient-elles pliées aux rites endiablés d'une exaltation sans fin du corps absent parce que caché ?

Thierry Texedre, le 20 juin 2020.

Sue Williams (1954-)

artiste peintre américaine

 

Regard oblique

Regard oblique

Un regard l'oubli

se lève le temps

se soustrait au vide

et la vie dessous

du côté dessus

de l'intérieur aussi

soudainement tient

risquant l'écart

au centre recouvrant

pression impression

le sort en est jeté

elle danse la vulve

dans les plis du trait

caressé par la figure

le bouton d'or

de ces plaisirs en fleur

ô regard oblique

jusqu'au creux

des limbes heureux

des solitaires en feu

l'épuisant réseau

de la nuit l'étreinte

s'évanouit en fumée

le flou sur la verge

parcourt le ventre

la profondeur naît

d'une danse serpentine

la révolte d'un corps

il court le rêve

jusqu'à sortir

d'une solitude oubliée.

Thierry Texedre, le 17 juin 2020.

peinture de Trudy Benson

  

Explosion colorée

Explosion colorée

Le regard s'enfonce, pour jouer avec les plis de la chose retournée.

Sur la plaie du monde, le monde écrin du paysage baroque, voilà que se montre l'immanente décomposition du vivant, allant ainsi vers sa fin,vers son recouvrement, son recommencement, la cessation d'un monde, le monde de l'illusion. Entrée dans l'illimité, pour ne plus montrer ce songe, celui de la mémoire. Entrée depuis ces pleurs, ces rires inventés pour entrer au paradis terrestre. Pour faire de ce Paradis une extension sans fin. Ce « faire » improvisant un ordre pour que détale la mémoire, qu'elle aille jusqu'à sa perte, l'oubli dans le paysage. En finir, par là, avec cette tension, cette circulation du sens, pour montrer la douloureuse infinité du désir qui s'ouvre à l'objet peint d'une mémoire colorée. D'un désir qui manque la mémoire, pour se substituer au corps qui pense.

Un corps d'élocution épuisant sa terreur du sens, pour parler cette fin de la mémoire, le paysage baroque. Le paysage de l'exode, de la fuite, de l'expulsion d'une névrose impuissante face au monde impressionnant de la chose mise en suspens, l’œil revient sur le devant de la scène pour sortir le paysage de sa nature de corps falsificateur d'identité. Une reconnaissance qui passe par la peinture.

C'est la rencontre d'une chose, qu'elle soit l'objet ou la couleur, ne peut se reporter au

souvenir qu'à lui montrer le bonheur et la douleur de la couleur, aux dépens d'une jouissance de la peinture qui se presse dans un espace mental irréel, objet impossible à délimiter pour jouir.

C'est par un puzzle où les formes colorées flottent, que s'épanouissent les formes colorées condensées. Nuno Lopes Silva tente par là une traversée du sens, par une construction de la peinture qui a à voir avec « l'abîme » de tout paysage (urbain et mental), nature d'une déconstruction de l'espace où l'humain a fort à faire avec une mémoire inappropriée.

Thierry Texedre, le 15 juin 2020.

Les métaboles de l'être

Wolfgang Walkensteiner (1949-)

artiste peintre autrichien

Les métaboles de l'être

Wolfgang Walkensteiner nous enveloppe de sa peinture parce que la peinture n'a pas seulement à voir avec la peinture. De cette urticante vision, semble se détacher des couleurs intenses, une division sans contradiction de la toile. Un fond très souvent peint tel une graphie qui révèle un rapport à l'écriture. Et devant cette profusion de dissolution de signes et de griffures en tous sens, se spatialise ce qui a trait à la figure. D'une ou de plusieurs « anatomies » qui se contractent, l'espace et l'image dans une tridimensionnalité forment la plasticité qui sort, et s'étire de l'arrière-plan. Pourtant, la couleur lumineuse et sensuelle s'exprime telle une prise de territoire, en surimpression du fond qui lui s’emmêle, s'emporte dans une grisaille (l'écriture s'y retrouve comme cause de l'objet). Abandonnant le temps présent, à trop parler, l'homme sordide devra se sortir, dans un geste « Moebiusien », du territoire de l'être ! L'être d'un temps à venir dont les figures, ici visibles, semblent en dire trop du peu de cet être ; ou alors de le dire depuis l'impossible interrogation de leur être.

Thierry Texedre, le 8 juin 2020.

Stratification du sens, la Vision

Stratification du sens

La Vision

Sons de l'inaudible

vers quelle clôture

le temps se met-il

en vrille pour finir

finir ce qui a été lu

en dire du sens éclos

vertige de la dictature

qui commente sa vie

virtuelle pour un corps

qui quitte l'immatériel

l'immanence du dire

en terre desséchée

jusqu'à ce que ce sang

sans répit réplique

l'annonciation d'un cri

tremblement tellurique

du corps caverne exclu

du son de l'âme mortelle

ce son supplique chair

et révélation de la fin

des temps inhumains

vol acerbe du ventre

de la terre tendue

jusqu'au risque

véridique compression

étalement du vivant

sur une hétérogène

explosion de la vie

sur la terre traumatique

du corps dit animal

à cause de ces sons

dont on dit l'écriture

ultime mort du vivant

danse du vivant

qui croit à ce croisement

entre animal et humain

ordre dépressif du temps

qui quitte la sphère

animalité pour une ère

de la mémoire électronique

jetée en pâture aux rebelles

du temps asymptomatique

de la représentation

réplique de la chasse

et de l'intrusion

de ces corps vidés

impression en aires

pour un corps dénaturé

une culture qui se presse

elliptiquement belle

endormie pour l'éternité

devant ce sacré

encore livré aux astres

pourvu que le peintre

sorte de ces effarantes

inquisitions du dire

pour relocaliser le vivant

donner à voir ce néant

ce blanc désavoué

et y déposer le pire

l'insoutenable légèreté

de l'enfantement.

Thierry Texedre, le 26 mai 2020.

D'un paysagé au blanc

D'un paysagé au blanc

La peinture ici s'offre au regard en insistant sur l'inattendu, je veux dire par là qu'il y a quelque chose d'anormalement intérieur au vu d'une intrication des formes qui s'inaugurent au blanc dont on mesure la réserve. Quelle expansion des couleurs vers leur obsessionnelle obstination à monter en gamme pour disperser le regard, le renverser dans un paysage sans fondement réaliste. On oserait presque distinguer un quelconque essor, ayant un rapport, un sens avec le figuratif. Mais l'étant se montre oppressant, voir même interchangeable au milieu du blanc qui s'offre comme conviction, être, pour enfermer la forme dans ce qu'elle a de couleur au plus près de l'intériorisation d'une vision ; couches qui s'agglutinent, s'éternisent pour un temps, et ensemble semblent se couper de leur passé, de leur intellection. La peinture d'Isabel Michel sort de cette abstraction qui use de l'improvisation, pour entrer en résidence avec l'intériorité d'un corps futur, le corps d'un paysage intérieur. Le rêve entre et sort du tableau dont les formats semblent varier autour d'une conspiration avec les mesures du corps humain. Un flirt dirigé vers l'exploration d'une intense connivence avec la chair dans ce qu'elle a d'une indécence devant la couleur. Le risque d'une telle peinture reste lié à la rencontre qu'elle assume d'un public qui court après l'inconnu, l’incontrôlable réminiscence d'une étendue de la peinture sur le cours du vivant escamoté par un réel en gestation. Et puis pour ainsi dire le temps de passer devant ces belles toiles amarrées à leur conjointement, un passage d'un tableau à un autre, comme si rien ne pouvait les séparer, lumineuse rétroaction d'une peinture qui signe avec une intelligence, un futur sans finitude.

Thierry Texedre, le 8 mai 2020.

peintures de Isabel Michel (1956-)

artiste peintre française

vit et travaille à Paris

Par-delà le sacré

Par-delà le sacré

Entrée dans ce sacré

commémoré par l'audition

l'austérité du divin

manqué depuis la parole

piquée d'un corps dissout

depuis la petite mort

de Dieu sa perte chassé

et ce damné croyant

par l'insidieuse occurrence

du fond incertain

de l'âme occultée

de la foi outrepassée

s'en va monstre

voilà l'art installé

pour des siècles de l'être

de cette indistinction

qui s'offre telle une vie

après ta mort ô Dieu

pourquoi cette mort drame

et partout la lamentation

sordide sujet jeté

en pâture à la dépense

démence qu'il pense par

cette verve du non-dit

quel masque l'interdit

le soumettre allongé aux plis

du temps de la procréation

le temps d'enfanter

un autre désir des sens

l'indécence du ventre

de la terre qui remonte

partout sort de ce retour

le temps de la nativité.

Thierry Texedre, le 9 mai 2020.

Hannah Höch (1889-1978)

« LUI et son milieu » 1919

aquarelle, crayon et encre de chine sur papier.

J'aurai bien changé la vie

J'aurai bien changé la vie

L'oiseau est-il dans les nuages

il file aux yeux du temps

ici le poisson soulève l'eau

pour entrer dans la vulve vue

le vagin geint la tête dans les nuages

porteur du fil convulsif du né

qui couche la vie génitrice

qu'est-ce qui défonce

au creux du ventre l'envie

de gratter de dévaler la pente

pour sauter sur la file d'attente

des corps déposés en perles

sur cet univers métamorphosé

les lèvres grossies par l'effet

de palpation des seins

à la loupe du lait mousseux

qui baigne dans l'envie

de jeter ni l'un ni l'autre

des sexes qui se mélangent

l'oiseau sort pour prendre

le bec au cri douloureux

son envol sur l'image ulcérée.

Thierry Texedre, le 7 mai 2020.

peintures de Delphine Cadoré (1972-)

Messe pour quelques pleurs

Messe pour quelques pleurs

Le temps s'est retiré du dehors

touché par le regard de la prière

divine étendue d'un drame futur

sans cesser la lumière s'étend

partout où la voix se déverse

on entend là-haut les voiles

de ces pleurs damnés au réel

lente agonie du ciel partout

travers des vitraux délivrés

pour montrer la lumière la vie

qui touche un gai savoir lueur

fond gisant des voix sans lieu

vient ce silence vide aux prières

du temps rendu par l'impuissance

aux dérives du corps chanté

du corps désenchanté par l'oubli

mémoire de la même révolution

intentée aux lieux du dehors

hauts lieux de la croyance

recouverte en ces temps du dire

par quelle rencontre de ces pleurs

vont naître l'intime résolution

l'enfantement l'amour la lumière

béatitude de ces rêves sortis

du fond infini de la chair

par le sang majeur des pulsions

jubilation du ventre de la terre

qui soit l'immortel amour

quittant le fondement de l'homme

pour se jeter aux messes

messagères de la résurrection

de ces cendres de ces feux

sans désir pour essaimer

par le vertige de l'élévation

la puissance du jour à la gloire

du réveil au plus loin

au plus près de la parole

respiration sans nom aux pleurs

touchant l'âme laisse l'anamnèse

aux plaies sans dieu ni loi.

Thierry Texedre, le 3 mai 2020.

La leçon d'anatomie du Docteur Tulp (1632)

Rembrandt (1,7 m x 2 ,16 m) huile sur toile