J'aurai bien changé la vie

J'aurai bien changé la vie

L'oiseau est-il dans les nuages

il file aux yeux du temps

ici le poisson soulève l'eau

pour entrer dans la vulve vue

le vagin geint la tête dans les nuages

porteur du fil convulsif du né

qui couche la vie génitrice

qu'est-ce qui défonce

au creux du ventre l'envie

de gratter de dévaler la pente

pour sauter sur la file d'attente

des corps déposés en perles

sur cet univers métamorphosé

les lèvres grossies par l'effet

de palpation des seins

à la loupe du lait mousseux

qui baigne dans l'envie

de jeter ni l'un ni l'autre

des sexes qui se mélangent

l'oiseau sort pour prendre

le bec au cri douloureux

son envol sur l'image ulcérée.

Thierry Texedre, le 7 mai 2020.

peintures de Delphine Cadoré (1972-)

Messe pour quelques pleurs

Messe pour quelques pleurs

Le temps s'est retiré du dehors

touché par le regard de la prière

divine étendue d'un drame futur

sans cesser la lumière s'étend

partout où la voix se déverse

on entend là-haut les voiles

de ces pleurs damnés au réel

lente agonie du ciel partout

travers des vitraux délivrés

pour montrer la lumière la vie

qui touche un gai savoir lueur

fond gisant des voix sans lieu

vient ce silence vide aux prières

du temps rendu par l'impuissance

aux dérives du corps chanté

du corps désenchanté par l'oubli

mémoire de la même révolution

intentée aux lieux du dehors

hauts lieux de la croyance

recouverte en ces temps du dire

par quelle rencontre de ces pleurs

vont naître l'intime résolution

l'enfantement l'amour la lumière

béatitude de ces rêves sortis

du fond infini de la chair

par le sang majeur des pulsions

jubilation du ventre de la terre

qui soit l'immortel amour

quittant le fondement de l'homme

pour se jeter aux messes

messagères de la résurrection

de ces cendres de ces feux

sans désir pour essaimer

par le vertige de l'élévation

la puissance du jour à la gloire

du réveil au plus loin

au plus près de la parole

respiration sans nom aux pleurs

touchant l'âme laisse l'anamnèse

aux plaies sans dieu ni loi.

Thierry Texedre, le 3 mai 2020.

La leçon d'anatomie du Docteur Tulp (1632)

Rembrandt (1,7 m x 2 ,16 m) huile sur toile

Regard

Regard

Depuis quelle aurore

le temps manque-t-il

l'après de l'exposition

en peinture qui s'étreint

sinon par quel hasard

le temps sort-il du son

le son de ce présent

qui va perdre cette levée

cette instance illisible

et passée en pensées

illégales de la glotte

cou marqué par l'emprunt

au cri impossible et nu

de la respiration souffle

de ce corps en tension

tentaculaire dérive du né

qui s'ouvre à l'infini

et qu'il est né sans voix

noir le voilà noir

par omission de l'eau

d'être sorti au soleil noir

le temps de percer cette

altération qui l'ouvre

au centre celui du sexe

le couvrant de sa vulve

impassible devant l'oubli

l'oubli de l'avant inventé

sous l'immonde contraction

de la reproduction

qui sourdement sortira

du désir pour parler

cette imposition à se lever

l'irruption de l'humanité

qui marche pour dire

ce que l'aurore montre

du regard poussant ce corps

à verticalement s'interdire

de penser la vraie pensée

pour installer le doute

le regard du doute

parce que le corps marche

vers sa fin privé du son

de sa sonorité la vibration

son salut le voilà

enfin dans la feinte

entrain de téléporter

et téléphoner ce regard

qui devient blanc

partout où plus rien ne force

et que plus rien ne dévisage

le temps sera gelé

jusqu'à la mort temporelle

la nuit s'étend partout.

Thierry Texedre, le 30 avril 2020.

peintures de Kerry James Marschall (1955-)

artiste peintre américain

Hétérotopie

Hétérotopie

Paysages sans fin

lieux hospitaliers

et emprunts d'angoisse

dans un silence physique

qui se risque à ouvrir

l’œil du silence

cette histoire végétale

dense et sensuelle

s'offre au regard

devenu un paradis perdu

par cette disparition ce manque

irrésolu de l'humain

qui laisse en contre jour

cette exoplanète

de l'existence passée

voyage d'une mémoire

dissoute dans le tableau

peinture qui montre le flou

pour inventer un végétal

qui aurait dû être pour exposer

des espaces artificiels

au plus près d'une absence

celle du corps inhumain

peut-être proposé ici

pour deviner un futur

dont on a du mal

à en montrer l'expérience

et l'habitation la réhabilitation.

Thierry Texedre, le 25 avril 2020.

peintures de Yann Lacroix (1986-)

artiste peintre français

La rivière insolente

Joan Miro (1893-1983)

peintre, sculpteur, graveur et céramiste espagnol.

Les trois bleus

Triptyque Bleu I, Bleu II, Bleu III

270 x 355 cm, 1961

La rivière insolente

Plages du pays

soudain rendu au vide

du temps séparé

partout l'étendue

des plaines encombrées

sourdement sombrent

dans l'apocalypse

il glisse longuement

le long de ces rivages

sans fin ni plaies

un voile obscurci

plié par le vent

rencontre l'expatrié

entrain de jouer

un air pour sortir

du gué les pieds

soudés à la boue

l'accordéon dans sa tête

incendié par la sueur

pour passer de l'autre côté

impuissant livré au risque

de l'enfermement

pour courir sautant

jusqu'aux barbelés

le sang grisant

longue douleur

sur son visage gisant

l'évadé du pays

la mémoire au rebut

pour chanter un air

c'est l'improbable

sortie c'est la rivière

comme évasion

vers une rencontre

vertige de la nudité

liberté quelle passation

de l'étranger étranglé
par le bleu de la vision.

Thierry Texedre, le 23 avril 2020.

La peinture comme vertige de l'architecture

La peinture comme vertige de l'architecture

Rare sont les peintres qui représentent cette matérialité dont on use, dont on explore toutes les faces tant pour notre bien-vivre que pour exploiter l'espace jusqu'à peut-être sa perte, et par lui-même une certaine perte d'identité ? L'espace ou cette reconnaissance d'un état déjà trop plein d'une tension à travers cette transversalité qui s'y insère, s'y montre ; serait-ce celle du nombre, de l'extension sans cesse, de ce nombre jusqu'au refoulement, jusqu'à l'interdit de l'espace trop restreint (n'y a-t-il pas un dépliement de l'espace dans ce qu'il a d'interchangeable, par exemple passage du figuratif à l'abstrait, du paysage à la géométrie), d'une demande d'entrer dans une autre géographie, un terrain vierge peut-être, une certaine peinture qui ici vient entrer en collision avec ce nouveau temps. La couleur tente alors une entrée en éviction, éventuelle certitude que ce qui s'y joue ira bien au-delà de ce qui se voit hors de la toile alors exposée pour mieux y voir une intelligence future. Une certaine contamination avec cette juxtaposition qui sied à la tentation d'exister : interchangeable avec une nature donnée à voir plus floue peut-être pour indiquer que cette charge émotionnelle nouvelle (la peinture) montre l'envers du décor, celui d'un réel en trop. La vertigineuse réalité de la mégalopole qui s'étend telle un virus, encre le drame d'un arrêt du jeu des points d'intersection des avenues aux pieds des tours, dont le peintre Piet Mondrian a su escamoter l'irréalité du temps de la « nature » humaine en signes prémonitoires. Ici, point de nature isolée ni de signes signifiant la tentative d'essoufflement de l'art de vivre, mais bien une peinture de l'extraterritorialité humaine (l'architecture en trop). 

Le plaisir qu'un regard peut porter aux toiles d'Ivana Minafra (1971-), sort l'espace figuratif inquiétant et angoissant (on y voit souvent une étendue de voitures peintes comme paysagers telles un champs) du regard, pour explorer un autre espace mis dans la peinture, celui d'une nature en trop ou en moins, pour nous montrer cette double réalité dont le regard imposerait de montrer seulement un paysage urbain. Un brouillage semble montrer une nature en devenir sur une urbanisation recouvrant littéralement la toile par « défaut ». C'est cette indifférence, l'oubli de l'infini, de l’extension totémique, de l'étalement anarchique en périphérie de la ville devenue ainsi une monstrueuse mégapole, qui font se rencontrer ces deux incompatibilités ; et tenter une vérité, celle d'oser faire voir avant de le dire une autre occurrence de la vie humaine. Une autre artiste semble aussi démontrer ce qu' une ville a d'empressement à s'extraire de la prégnance humaine pour l'architecture urbaine.

 

Dans les peintures d'Anneke Wilbrink (1973-), on s'expose à l’expatriation. La temporalité de l'humain vrille à l'approche d'une distorsion du monde. Le chaos s'y insère, montrant une peinture qui s'éloigne d'un milieu où le réel s'efface, au profit d'une complexité dans un contrôle des contrastes, des oppositions, à cause de l'architecture rembobinée par ce qui du sublime entre en réserve, pour appairer le médiocre d'une urbanisation galopante à la trame d'une peinture entrain de montrer un océan, l'infini.

On se rapproche d'une autre vérité, se livrant aux marasmes de l'impossible expérience figurative, certainement à cause de ses effets dévastateurs, quand à ce devenir où une nature n'a de cesse de s’abîmer.

 

Richard Diebenhorn (1922-1993) nous livre là une approche regroupant de nombreuses similitudes avec celles de Ivana Minafra, quand à cette mise sous pression de la nature, exposée au plus près des paysages urbains. Mais encore une nature qui entre dans l'architecture avec Anneke Wilbrink. Si la nature humaine en fait trop, c'est pourtant en différant cette tension vers ce que peut résoudre l'eau, l'océan, à l'approche des industries de Santa Monica sur la côte ouest des États-Unis. Pour subvertir au plus vite cette représentation de l'éphémère sans doute, dans une série sans fin aux peintures de « Océan Park », La submersion d'une réalité sourde à la nature, une fenêtre ouverte sur cet océan primitif, une emprunte abstraite qui figure un travail du paysage qu'un Matisse poussera à faire jouir par la couleur ce qui découpe le réel au présent, au temps qui recouvre l'imposture urbaine.

En tout cas, l'intensité d'une terre retournée (dans le blanc sommé), est au plus près d'un présent jeté au regard d'un coup de dé.

Thierry Texedre, le 21 avril 2020.

L'air

L'air

Trouée dans le temps

se risque l'aura

qu'une vie visite

au plus près c'est une

lumière qui traverse

un lieu d'une prière

l'impensé le vertige

d'une envolée

au ciel les couleurs

sur la blanche vision

jetée à chaque

résurrection du temps.

Thierry Texedre, le 18 avril 2020.

peintures de Kim En Joong (1940-)

Au gré des ondes

Au gré des ondes

Planté au beau milieu

de l'explosion l'attraction

ventre du monde

étoile polymérisée

programme de l'éclosion

en finitude et infiniment

dérisoire dévorant le ciel

et la terre au gré des ondes

lueur du vent vorace

qui campe sa musique

sourdement et poliment

de travers et de face

le confinement s'étire

se frappe au vent

joliment entrant en voix

en jeux exquis en clefs

touchant à ce bord

lieu contre la chose

de loin de près

plus tout à fait

l'ombre du divin

l'entrée sans trop danser

dans le vent qui s'évanouit

à mesure que l'homme

se relève partant

par ces chemins sans fin

mener le vent

au milieu de cette ivresse

se hissant au temps

pour camper sa muse

le rêve inopportun

d'un désir damné

qui déchire l'ombre

découpée du jardin

jadis bleu de la naissance

bulbe éclos des senteurs

aériennes au gré des ondes.

Thierry Texedre, le 2 avril 2020.

L'insoutenable extension du laid

L'insoutenable extension du laid

Trempée dans l'indécence, la peinture semble s'étendre, telle une peau qui vient à vieillir. Voilà l'extension et l'attention flottante qui incombe à la peinture de Marcos Carrasquer dont l'incidence vient saisir l’œil pour le confondre avec la beauté cachée, l'entrée dans une dilatation/dilapidation du beau. Le beau serait ici ce qui n'a pas encore étendu son signe, sa condition d'être du beau en paroles virtuellement insignifiantes devant l'intime. La misère du laid n'a pas encore polémiqué que la beauté s'insinue déjà pour montrer du regard ce qu'un peintre peu de démonter le laid. Le déferlement de sites ici, qui oublient la laideur, tellement celle-ci s'étale, s'installe, s'étend pour qu'on entende ce qui n'a pas lieu mais qui sourdement se donne à entendre ; l'invisibilité du lieu de la laideur à trop montrer sa force, sa représentation. Le peintre montre pour dépeindre cette société qui consomme la beauté à tant la décrier et l'extérioriser comme quelque chose d'irréel et pourtant réel ; ce qui est vrai pour un lien social n'a pourtant pas de prise sur le réel. Le peint est montré comme le mimétisme d'une exposition d'un monde qui serait inhumain ; ce qui saute aux yeux quand l'excès est peint, parcourant l'intimité des individus qui sont mis en interaction avec leur propre consommation/consomption. Le peintre crie devant cette consomption, donnant à voir la consumation sociale, quantifiant jusqu'à la nausée une peinture consommée par le nombre. Où en sont les couleurs quand les formes dominent ? Sinon, dans une extrême prohibition du noir au gris. Là, toutes les couleurs éclatent pour éclairer l'intolérable érotique qui navigue entre les corps sous tension, entre nudité et habits convulsés ; le nu prédomine pour feindre le lien social de l'altérité du jeu civilisationnel. En tout cas la beauté se cache partout où s'invite le laid. Belles peintures.

Thierry Texedre, le 16 mars 2020.